2020年11月11日，當代藝術群展“More, More, More”在上海油罐藝術中心開幕，呈現31位國內外藝術家和藝術家組合的作品。展覽的名稱取自上世紀七十年代熱門迪斯科歌曲的歌名。

油罐藝術中心相關負責人告訴澎湃新聞，“展覽將分為3期，目前是第二期，也是展品最豐富的一期。我們會根據不同的樂章節奏來更換展品，讓整個展覽呈現出一種從無到有，再到無的生長狀態。我們希望不給展覽的作品下定義，希望觀眾在展廳中自行感受作品，再定義?身與世界的關系。”

澎湃新聞了解到，展覽由Passing Fancy策展組合——古根海姆助理策展人朱筱蕤（X Zhu-Nowell）和音樂學家弗雷德里克 · 諾維爾（Frederick Nowell）共同策劃，并由埃莉斯·阿瑪尼協助策劃，呈現31位國內外藝術家和藝術家組合：菲亞·阿爾—瑪麗亞（Sophia Al-Maria）、藝術勞動組織（Art Labor）、塞西莉亞·本戈利亞（Cecilia Bengolea）、多拉·布多爾（Dora Budor）、郝量等人的作品。據悉，此次展覽是多位藝術家的作品在中國或亞洲范圍內的首次呈現。

展覽的名稱“More, More, More”取自The Andrea True Connection于上世紀七十年代中期發行的熱門迪斯科歌曲的歌名。這首歌的許多音樂元素使之成為早期電子舞蹈音樂的典范，例如口頭影射、持續性的四拍及地的節拍、大量的復誦。音樂中的重復性——如同在所有媒介中那樣——改變了我們對被重復了的事物的感知。而此次展覽也將強調這種重復性，將單詞的含義分解，將藝術以多樣化的現象呈現。

展廳現場，“More、more、more”標語和藝術家艾德 · 米諾里提的裝置作品《睡衣柱》

油罐藝術中心的相關負責人告訴記者，展覽總共由三又四分之一個“樂章”（又稱“樂句”）組成。這是一個從音樂理論中挪用的術語，整個展期也如同樂章一般分為不同的章節（展期），“展覽將分為3期，目前是第二期，也是展品最豐富的一期。我們會根據不同的樂章節奏來更換展品，讓整個展覽呈現出一種從無到有，再到無的生長狀態。我們希望不給展覽的作品下定義，希望觀眾在展廳中自行感受作品，再定義?身與世界的關系。”

進入展廳，首先能看到的是單慧乾的影像作品《今日頭條新聞》。在電視屏幕中，隨著帷幕的拉開，“新聞播報員”置身于一個如同宇宙的背景中，開始播報具有代表性的、詩意的、有關生命、存在、命名、身份和意識的敘述。而在周圍的廊柱上，則是藝術家艾德 · 米諾里提的裝置作品《睡衣柱》，以5種不同圖形的印花布包裹住油罐藝術中心大空間的鋼筋混凝土立柱，將視覺層面上的圖案擴展到了空間中。

單慧乾，《今日頭條新聞》

沿著樓梯，觀眾便可以來到藝術中心“4號罐”的入口處，首先能看到的是中國藝術家郝量的作品《河伯娶親》及《<飲酒>詩意》，兩組作品通過觀察工作室外的植物，并以植物形象來表達“河伯娶親”這一民俗故事，以及對陶淵明的詩句的感受。郝量表示，“通過一個最具體的、最生活化的一個場景去討論超自然的東西。”

郝量 《河伯娶親系列》 2019 絹本重彩

帕梅拉·羅森克朗茨，《感染（香奈兒五號香水）》

進入“4號罐”，便是此次群展的最具視覺及嗅覺沖擊力的作品——藝術家帕梅拉·羅森克朗茨（Pamela Rosenkranz）的裝置作品《感染（香奈兒五號香水）》。這件作品基于藝術家對神經活性寄生蟲弓形蟲病的長期研究，試圖探討的是自然、人工等在哲學及科學意義中的轉變。據研究，世界上大約百分之三十的人口受到這種寄生蟲的影響，貓是弓形蟲病的主要宿主。由于這種寄生蟲，被感染的人會被貓的費洛蒙所吸引。在許多香水中都可以找到這種氣味，最著名的例子是香奈兒五號香水。在“4號罐”內的空間里，藝術家用來自于長白山黑土為觀眾堆砌了一個綠色山峰。長白山的黑土是出了名的營養豐富，同時也帶有很強的土的氣味，藝術家在這氣味上重疊了帶有人造貓的費洛蒙的香奈兒五號香水，讓觀眾對作品產生不同的吸引力或排斥，在無意識中形成一種互動。

珍娜·蘇特拉 《永生苔蘚和螺旋藻置于墻面》

在此次群展中，觀眾可以感受到藝術家和藝術家集體以或大或小的方式，有以視覺外的各種媒介，如香水、音樂媒介、微生物、光等，也有具象的油畫、水墨畫、線描等傳統媒介的呈現。這些作品增強了感性，也引出了不同的當代社會議題。

展廳現場，妮可·沃爾莫斯的《無題墻紙》

陽光的照射在4號罐二層的白墻上，可以看到墻體上的凹凸顆粒。這是藝術家妮可·沃爾莫斯的作品《無題墻紙》，這是一件從地板到天花板，覆蓋了藝術中心展覽空間的紋理墻面材料作品。這件作品借鑒了一種由小木片制成的流行墻紙，在英國和德國，這種極其受歡迎的墻紙被稱為粗纖維，既適合掩蓋石膏的缺陷、不規則性，又可以為墻壁增加微妙的質感。

過去，這一墻紙曾在二十世紀七八十年代達到頂峰，包豪斯和密斯·凡·德羅曾一度十分推崇這款材料，后者曾用它覆蓋了柏林新國家美術館的地下室。但由于它很難再被去除，所以這種難去除性也使其“臭名昭著”。這一作品試圖強調著現代主義美學中反復無常的遺留問題及與之相應改變的設計品味、準則和“本質”間的關系。

在墻紙背面是有一間暖色系的展廳，呈現著切爾西·卡普利特和彭薇的作品。兩位藝術家都以各自的視角和表達方式探討著與當下女性有關的問題。其中，切爾西·卡普利特的作品通過不斷產生綜合體來打破通常被界定為女性的形態的邊界。其炭筆線描作品是讓女性身體的“一部分”進行自由生長、組合，詮釋出另一種對于女性的感知。

展廳現場，切爾西·卡普利特作品

展廳現場，切爾西·卡普利特作品

伊蓮娜·海杜克的《重新錄制：月間距之六》是藝術家對米哈伊爾·布爾加科夫（Mikhail Bulgakov）寫于1928-40年的小說《大師和瑪格麗特》而改編的長期電影項目中的一環。這一次，海杜克將油罐藝術中心的展覽空間轉換為小說中的綜藝劇院，觀眾可以在劇院內觀賞其影像作品。

伊蓮娜·海杜克《重新錄制：月間距之六》

在整個展覽中，這件作品無疑是最具互動性的。劇院的入口由夜光藍色的金屬大門封鎖，觀眾只有通過和藝術中心的工作人員的互動才能得到進入劇院的鑰匙。開幕當天，油罐藝術中心舉辦了鑰匙發放儀式，300把鑰匙在儀式中被分發，發完即止。油罐藝術中心的相關負責人告訴記者，“這一環節也是藝術家強調的。同時，藝術家也會在劇院中錄下觀眾的聲音，并用于下一次的制作。”

克勞蒂亞·孔德，《死亡之舞》

而作品《死亡之舞》是藝術家克勞蒂亞·孔德創作于2014年的影像作品，伴隨著兩位鋼琴演奏家演奏著卡米爾·圣·桑的交響樂《死亡之舞》，畫面中的樹干隨著音樂而燃燒、熄滅、以此映射十四世紀歐洲鼠疫之后，骷髏扮相的人們來到墓地狂歡的場景。而如今，這一作品與當下的疫情背景相互呼應。

當然，藝術家塞西莉亞的作品《日出》和《日落》也是基于疫情當下而創作的，藝術家在隔離期間記錄下了一天內最美妙的兩個時間段“日出和日落是一天中最短暫的時刻，此時的美麗就如同我們在2020年的時刻一樣，無法捕捉。”

展廳現場，塞西莉亞，《日出》和《日落》

展廳現場，勞拉·普羅沃斯特作品，透過門簾，是一個黑暗的隧道。

展期持續到2021年1月31日。