澎湃新聞獲悉，北京UCCA尤倫斯當代藝術中心將于2022年3月至6月，呈現中國迄今為止最大規模的亨利·馬蒂斯（1869-1954）個展“馬蒂斯的馬蒂斯”，此次展覽將與位于法國北部勒卡托-康布雷齊（Le Cateau-Cambrésis）的馬蒂斯美術館合作，從館藏中精選將近250件包括油畫、雕塑、素描、紙上墨水、版畫、剪紙、書籍插畫、織物等不同媒介的作品，涵蓋馬蒂斯的整個創作生涯。展覽將于2022年7月至10月巡展至位于上海的UCCA Edge。

亨利·馬蒂斯1869年12月31日出生于勒卡托-康布雷齊，其家族在此經營紡織業已經超過300年。在他去世前的兩年，馬蒂斯決定將自己保存的一批最珍視的作品捐給家鄉，由此構成這座美術館的館藏核心。他親自挑選展品，參與空間的規劃梳理，精確到具體每一件作品的擺放，整個美術館本身可被視為馬蒂斯所留下的獨一無二的藝術遺囑——他的創作脈絡、創作方法與藝術理念都在這里都得到了最為直觀和近距離的展示。現正值馬蒂斯誕辰150周年過去不久，馬蒂斯美術館閉館整修擴建之際，這批珍貴的藏品得以離開藝術家的故鄉來到中國。

“馬蒂斯的馬蒂斯”將按照時間線索分成10個章節，為觀眾們呈現一個充滿馬蒂斯個人印記的展覽。從藝術家最初在學院時期的臨摹作品與風格探索，到最早轉向野獸派創作的代表作品，然后通過雕塑、素描、版畫等不同媒介的作品展現馬蒂斯在20世紀20年代到30年代對于人體與人像的探索。展覽還將呈現塔希提之旅為馬蒂斯帶來的靈感與影響，20世紀40年代標志性的色彩鮮艷的油畫與墨水線條畫，晚年的剪紙、書籍插畫、織物，以及他在年近80歲時為旺斯教堂所作的玻璃彩窗設計的相關物件、手稿與模型。除此之外，UCCA策展團隊還將在展覽中增設一個區域，展示并探討馬蒂斯及野獸派對于20世紀20年代至40年代的中國現代繪畫運動的影響。

UCCA館長與首席執行官田霏宇表示：“這是一次珍貴而難得的展覽，UCCA為能將20世紀藝術巨匠的作品帶到中國和觀眾見面而倍感榮幸。此次展出作品的數量和類別都非常豐富，而且還是馬蒂斯本人最珍視的一批作品，我們非常期待這個展覽明年在北京和上海的呈現。”

“馬蒂斯的馬蒂斯”由馬蒂斯美術館館長和首席策展人帕特里斯·德帕爾普（Patrice Deparpe）策劃，UCCA尤倫斯當代藝術中心聯合呈現，并且得到門藝文化公司的支持。

關于亨利·馬蒂斯

1869年，馬蒂斯生于法國諾爾省勒卡多鎮的一位商人家里。20歲之前，他對藝術幾乎沒有表現出任何天賦和興趣。中學畢業到巴黎學習法律，回來后在律師事務所當了書記員。21歲時，因為做了一次闌尾炎手術，療養期間，母親送給他一套繪畫材料作為消遣，不料，初試畫筆的馬蒂斯，竟體驗到了從沒有過的“自由、安寧和閑靜”，從此一發不可收。

馬蒂斯，《自畫像》，1906年

他回到巴黎，先后在裝飾藝術高等學校、朱利安藝術學院和巴黎美術學院系統學習。期間，經常到盧浮宮里認真臨摹研習前輩大師們的經典畫作。1896年，馬蒂斯第一次參加國家美術聯盟沙龍展，其傳統風格的油畫《讀書的女人》，便被時任法國總統菲利克斯·佛爾買走了。此后不久，他便成為沙龍的永久會員，并獲得了收入不菲的臨摹工作。

《讀書的女人》

但是，馬蒂斯內心銳敏而奔放的色彩世界，卻被當時頗受爭議的印象派和后印象派喚醒了。他從塞尚的繪畫中了解到結構法則的重要意義，宣稱：“塞尚是我的老師，給了我力量和鼓舞，在我對自己產生懷疑的時候，在探尋中感到恐懼的時候，我就想‘如果塞尚是對的，我就是對的’，因為我相信，塞尚沒有錯。”

馬蒂斯的色彩解放，緣于他1905年夏天的柯里歐爾之旅，面對南部海邊強烈光照下的大自然，馬蒂斯頓悟到鮮艷色彩構成的和諧，他完全按照自己的感覺，畫出了一批具有獨特風格的作品。他說：“我對色彩的探索不是從繪畫作品中得到的，而是從大自然光中受到了啟示。”馬蒂斯反對“奴隸似地抄襲自然”，認為“要解釋自然，使它服從畫面的精神”。他說自己：“不是按照科學先驗地選擇顏色，而是讓色彩完全憑本能地向我涌來。”回到巴黎后，馬蒂斯在調色板上繼續開拓著對色彩的鮮活感受，并用這種屬于自己的新方法進行創作。

馬蒂斯有過一段著名論述：“我所夢想的是一種純粹、寧靜、平衡、不含有使人不安或令人沮喪的題材的藝術，對一切腦力工作者，無論商人還是作家，它像一種鎮靜劑，或者像一把舒適的安樂椅，對心靈進行撫慰，使身體消除疲勞。”

馬蒂斯深受東方藝術和非洲藝術的啟發，他說：“我的靈感來自東方的藝術”，東方的線條繪畫“顯示出了廣闊的空間，它幫助我走出寫生的局限。”1908年，馬蒂斯在發表的《畫家筆記》一文中，明確提出了表現的問題：“我追求的最重要的就是表現……我認為的表現，并不是指人臉上的表情，也不是通過某個激烈動作顯示出來，而是整個畫面安排，如人物所占的位置、他們周圍的空白、比例，都起著表現的作用。所謂構圖，就是畫家把表現情感的各種不同的元素，以富有裝飾意義的方法安排在一起的藝術。”而在1906年前后，馬蒂斯開始收集非洲的雕塑和面具，并于此后發展出一種全新的人體表現形式，與傳統的規范相悖而行。1906年秋，馬蒂斯在一家巴黎商店購買了第一尊非洲雕塑：來自剛果的維利族（Vili）雕像。

維利族雕像，來自剛果的收藏，20世紀初

《站立的裸體》（Standing Nude，1906-07年）是此后馬蒂斯向非洲藝術致敬的又一件開山之作。它借用了法國流行繪本雜志上的一幅裸體照片，融入非洲雕塑的抽象元素，成為20世紀藝術史上最讓人瞠目結舌的裸體畫之一。同期的《帶石膏像的靜物畫》（Still Life with Plaster Figure，1906年）呈現出馬蒂斯的青銅雕塑“站立的裸體”未燒制之前的模樣，后者經過極力簡化、修改，帶上了濃厚的表現主義效果。

馬蒂斯，《站立的裸體》，1906-07年

馬蒂斯，《帶石膏像的靜物畫》，1906年

在馬蒂斯眼里，無論風景還是人物，都是組成畫面的線條和色塊。他的創作擺脫了表象世界的束縛，建立起更加自由純粹的藝術語言架構。他說：“描繪一幅秋天的風景，我不考慮什么樣的色彩適合這個季節，我只畫這個季節激起我的那種感覺。”并提出：“準確的描繪不等于真實。”

1930年代中期，馬蒂斯的藝術經歷了一場巨變。他開始用素描速寫來表現人與物，使他們毫無重量地飄在紙上的抽象空間中。這種線性與圖形的繪畫語言越來越精妙，最后，馬蒂斯要表達的物體或人體都轉變為極簡的圖標。

馬蒂斯，《花束》，1953年

1941年底1942年初，馬蒂斯創作了一系列素描——大部分是女性，經常與植物圖案一起出現——后編為圖集：《亨利·馬蒂斯：主題與變奏》（Henri Matisse: Themes and Variations）。這本圖集包含17個主題，每個主題都有一個相應的字母，項下還有許多變體。此次展覽包括G主題下的一個變體，可以看出馬蒂斯正在為物體尋求可替代的圖標。

圖集完成幾個月后，馬蒂斯開始將剪貼紙當作嚴肅的繪畫媒介。他的第一本剪貼畫集叫做《爵士》（Jazz，1947年）。對于馬蒂斯來說，剪紙的過程是“用剪刀繪畫”，“直接將鮮活的顏色剪出來”。這給了他一種新的自由：將物體從具體空間中拿出來，然后將其轉變成平面圖標，例如《爵士》里面名為“Forms”的極其凝練的圖標就源自于他收藏的希臘女人軀干雕像。馬蒂斯明確地表示，他確實是將那尊藍白色的雕像換了種形式，減輕了它的重量，同時創造了不同的視角。

馬蒂斯，《爵士》，1947年

早期的很多剪紙作品是按照網格布局的，比如1947年的《帶面具的畫板》（Panel with Mask），背景是五個矩形分區。頂部的水平分區中有一只正臉面具，底部的兩個分區是植物的圖樣。水平分區下面的兩個垂直分區最讓人訝異，里面是高度抽象的動物：左邊是一只幾乎無法辨認的馴鹿，只能通過鹿角看出大概；右邊是同樣抽象的頭蓋骨，隱約可看出下頜骨和牙齒。

馬蒂斯，《帶面具的畫板》，1947年

對馬蒂斯來說，剪紙無異于繪畫，只不過畫筆換成了剪刀，畫筆換成了著過色、繪有形的紙。當剪刀裁過藍色或白色的紙，所要留下的依然是光線的痕跡。

透過其剪紙作品，觀者能更好地了解馬蒂斯晚年的創作。在馬蒂斯所著的《晚年技法》中這樣寫道：那仍然是繪畫，只不過是一種延伸的繪畫。《藍色的裸女1、2、3號》完成得很快，幾乎是創意剛產生，作品就能完成，而《藍色的裸女4號》的創作則耗費了馬蒂斯數個星期。

馬蒂斯《藍色的裸女》

1948年后，馬蒂斯沒有重要作品面世，但仍筆耕不輟，并表現出對筆墨的濃厚興趣。1951年，Philippe Halsmann拍攝的照片中，藝術家在尼斯家中的臥室兼工作室，正坐在床上剪紙，頭頂是一幅中國清代的字畫。每個字下面對應一幅簡筆素描，畫中是站立的模特。受到中國書法的影響，馬蒂斯晚年的作品既表現出用墨的極度控制，又顯示出自然的流暢，因此繪畫的對象仍然異常生動。1948年后，馬蒂斯沒有重要作品面世，但仍筆耕不輟，并表現出對筆墨的濃厚興趣。1951年，Philippe Halsmann拍攝的照片中，藝術家在尼斯家中的臥室兼工作室，正坐在床上剪紙，頭頂是一幅中國清代的字畫。每個字下面對應一幅簡筆素描，畫中是站立的模特。受到中國書法的影響，馬蒂斯晚年的作品既表現出用墨的極度控制，又顯示出自然的流暢，因此繪畫的對象仍然異常生動。

馬蒂斯工作室，1951年，攝影：Philippe Halsmann

雖然馬蒂斯的作品常常是瘋狂的，但他以其作品詮釋了幸福，正如藝術史學者皮埃爾·施奈德在為馬蒂斯所著的傳記中所寫：“馬蒂斯的作品都是成功的作品，它們能減輕和治愈創作者生活中的痛苦和疾病。”而在“馬蒂斯的工作室”中訴說著藝術家的創作根植于對所見事物的細微觀察與研究。

（本文根據UCCA資料、《光明日報》以及澎湃新聞過往報道綜合整理）